Potato chips

"One potato, two potato, three potato, four

Five potato, six potato, seven potato, more

Potato chip, yeah

Potato chips now, alright"

Shadows of Knight. Potato Chip (1966)

Les patates xips (chips en anglès nord-americà o en el britànic), són un aperitiu consistent en llesques primes de patata fregides amb oli. Normalment  se solen tallar en forma de disc, en forma plana o ondulada.

El plat és d’origen desconegut i en podem trobar a Bèlgica i França. A Amèrica es creu que les va inventar per atzar el cuiner George Cruma quan un client del seu restaurant  de Saratoga Springs a Nova York es queixava que les patates fregides que li havien servit eren massa gruixudes;. Després de diversos intents, Cruma va tallar unes patates ben fines i les va fregir en oli ben calent, afegint-hi sal.

El grup The Shadows of Knight va dedicar una cançó a aquest aperitiu. Banda de rock americà dels suburbis de Chicago. Es va formar l’any 1960 i van formar part del moviment anomenat blues britànic amb influències de la seva ciutat natal. 

Slim Gaillard (1916 -1991), pianista, guitarrista i compositor de jazz d’Estats Units també havia escrit una cançó a les patates fregides el 1952. Slim Gaillard va ser especialment conegut per la seva capacitat improvisadora i els jocs de paraules propis de la música scat. .

Fonts d'informació: www.wikipedia.com i www.youtube.com

El sabor dels clàssics

Posta de sol al Cap Súnion, Grècia (2010). Fotografia: Fina Masdéu

Virgili.- “La famosa mel de la versificació virgiliana és mel sens dubte; però té un regust una mica farmacèutic... Precisem més encara; Virgili ens torna en certa manera a la boca les sensacions de sabor, olor i consistència de les millors emulsions d’oli de fetge de bacallà.”

Jules Renard.- “En Virgili retrobàrem el gust de l’Emulsió Scott: en Jules Renard, el del vi de quina. També retrobem en Renard el binocle invertit del bon Aloysius. Aquí el binocle té, a més, malícia. (Jules Renard ja és un clàssic. Ell mateix ens ha proporcionat l’espai buit, suficient per veure’l tot clar. Podem parlar-ne calmosament com de La Rochefoucauld o de Leopardi).”

Lluís de Granada.- "¿Qui ha tastat el fruit del cocoter? Aquell qui ho feia no n’haurà oblidat, de segur, la rara sensació: de primer, la frescor lletosa a la boca regalada; de seguida –interminablement, indeglutiblement- la pasta granelluda, eixarreïda, dessaborida, damunt les genives i la llengua. Mastegar coco és una lliçó de moral sobre la caducitat dels plaers de la vida i sobre els fruits del jardí del món, farcits de cendra. La sensació del tast del coco és la de la prosa de Fra Lluís de Granada. Un minut de frescor i gràcies arcaiques; una estona llarguíssima de cendra a la boca.”

Eugeni d’Ors. La Vall de Josafat. Barcelona, 1987. Quaderns Crema.

Virginia Woolf contra les convencions

R. Martí Alsina. Indolència

És curiós com els novel·listes ens fan creure que els àpats de societat sempre són memorables per alguna cosa molt enginyosa que algú va dir, o per una acció sorprenentment assenyada. I, gairebé mai, no parlen del menjar. Forma part de les convencions dels novel·listes no esmentar mai la sopa, els salmó o les mandonguilles, com si la sopa, el salmó i les mandonguilles no fossin gens importants, com si mai ningú no es fumés un havà o begués un vas de vi. Jo, en canvi, em permetré d’anar contra aquesta convenció i us diré que en aquell dinar per primer plat ens van donar llenguado, servit en un plat fondo, damunt del qual el cuiner havia estès una capa de crema blanquíssima, si bé irregularment esquitxada de taques marrons que feien pensar en la pell clapada d’una daina. Després ens donaren perdiu, però no cometéssiu pas l’error d’imaginar-vos un parell d’ocells sense ploma i d’un color castany. Les perdius, nombroses i variades, comparegueren amb la corresponent comitiva de salses i amanides, picants i suaus, segons un cert ordre; amb el corresponent seguici de patates, fines com monedes, però no dures; de cols de Brussel·les, amb els pètals com poncelles de rosa encara que més sucoses. I bon punt haguérem acabat el rostit i la seva comitiva, el silenciós cambrer, el mateix bidell d’abans, segurament, però amb una indumentària no tan aparatosa, ens posà al davant, embolicat de tovallons, un dolç envoltat d’un munt de sucre. Dir-ne púding i relacionar-lo, per tant, amb l’arròs amb llet o la tapioca seria insultant. Amb tot això, les copes havien anat passant del groc al vermell; s’havien buidat; havien estat omplertes. [...] No cal anar amb presses. No cal espetegar. No cal ser sinó un mateix. Tots anirem al cel i Van Dyck és dels nostres; dit d’una altra manera, quin bon gust, la vida; que dolces, les seves compensacions; que trivial, aquest ressentiment o aquell rancor; que magnífica, l’amistat i la companyia dels teus quan, en havent encès un cigarret, t’enfonses en els coixins del seient vora la finestra.

Virginia Woolf. Una cambra pròpia. Barcelona 1985. Grijalbo.

Un paseo por la colección Carmen Thyssen

Una bonita mañana de otoño podemos pasearnos por la colección Carmen Thyssen en Madrid y descubrir...

Louise Moillon (1610-1696)

Bodegón con frutas (1637)

Louise Moillon fue una de las pintoras más importantes del siglo XVII que cultivó el bodegón como forma expresiva.

Según Sam Segal: "Este lienzo se considera una de las obras culmen de la evolución técnica de la pintora francesa. Frente a sus primeras composiciones más sencillas y con una paleta y una luz menos trabajadas, este bodegón presenta una estructura más sofisticada. La luz está muy concentrada destacando sobre todo los objetos del centro de la representación y creando unas sombras estratégicas que acentúan la profundidad. Los matices cromáticos se tornan muy ricos y su armonía equilibra la composición. Se representan frutas y verduras de primavera como son las alcachofas, espárragos, fresas, ciruelas y albaricoques. La pintora describe minuciosamente detalles del ramaje que cubre las frutas".

Paul Lacroix (1827-1869)

Abundancia del verano

Ana Borobia define así el cuadro de Paul Lacroix expuesto en el museo: "Sobre una gruesa encimera de piedra se coloca, en el centro del lienzo, una voluminosa cesta repleta de frutas. En su interior, entre los racimos de uvas negras, blancas y rosadas, se distinguen varias manzanas, ciruelas, peras, melocotones junto a una mazorca de maíz. El pintor ha aprovechado la rústica y pulida piedra de la mesa para completar su composición. Así encontramos, al lado del canasto: arándanos rojos, zarzamoras, una rodaja de sandía y las fresas de un cestillo. El bodegón se cierra, a la izquierda, con una elegante copa de cuello alto, llena de burbujeante champagne".

Maurice Prendergast (1858-1924)

Bodegón con manzanas (1910-1913)

Maurice Prendergast fue un pintor postimpresionista estadounidense. Se marchó a estudiar arte a París en 1880. Fue un gran admirador de Cézanne. Kennet W.Madox considera que en la obra expuesta en el museo Thyssen, las influencias de los pintores franceses Matisse y Cézanne son evidentes. En 1898 se marchó a Venecia para recuperarse de una larga enfermedad. Es en ese momento cuando empezó a pintar abundantes bodegones con manzanas.

Prendergast se inspiraba en su cotidianidad, utilizando vasijas y objetos que encontraba en su estudio y que usaba, por ejemplo, para limpiar pinceles.

Richard Estes. Nedick's (1970)

Por último, Richard Estes. Nacido en 1932, Estes pertenece a una nutrida tradición de artistas que han pintado Nueva York y sus paisajes urbanos desde un punto de vista fotorrealista. En la obra que expone el museo, nos muestra por primera vez un paisaje urbano: puntos de vista que juegan con la realidad interior y exterior, así, el espectador puede ver a través de los escaparates un paisaje mucho más distante, que le permite envolverse en una realidad tridimensional.

Más información: www.museothyssen.org

De gorros de cocineros

Hay quien sostiene que los cocineros comenzaron a usar sus altos gorros en las cocinas papales de Aviñón, y precisamente bajo el pontificado de Juan XXII, muy aficionado a la mostaza, a quien visitaba gente de su país natal, lejanos parientes rouergueses, que todos traían la ciencia de la mostaza, y se pusieron espontáneamente por escalafón en la mostacería, colocando hilos de oro, según su antigüedad, en los blancos gorros. Otros sostienen que la primera mención del alto gorro blanco viene en el abate Coer –jesuita, preceptor del príncipe de Turena y capellán de la Real Caballería, autor de libros de viajes y de otros-, quien pinta al cocinero como hombre que viste ricamente, lleva espada al cinto, luce diamantes en los dedos y saca de vez en cuando una caja de oro llena de rapé. “Se distingue del duque de Orleans por el gorro que usa y no más”. El abate Coyer fue amigo de La Varenne, el cocinero del marqués de Uxelles, autor del famoso tratado L’école des Ragouts, que es la biblia de los estofados. Tirolay y Laguipière -¡el fantástico, original, imprevisible Laguipière, el gran imaginativo de la cocina!- se dejaron pintar con gorro, que por cierto, en aquellos días, el XVIII francés, se llamaba “el gran turbo”. Carême, el cocinero de Talleyrand, el sabio de los sabios en la cocina del Congreso de Viena, tenía un gran gorro de raso con pequeñas flores en oro, y no se lo quitaba a nadie en sus dominios, ni a Alejandro de Rusia, sobre quien una vez ejerció derecho de preferencia.

-¿Quién es ese insolente? –preguntó el Zar.

-¡La cocina, majestad! –le respondió el embajador francés.

Sí, era toda la cocina; en aquella cabeza racionalista y neoclásica estaba el Cosmos, el buen orden.

Otro de los que están retratados con gorro es Noel, el cocinero de Federico el Grande de Prusia, que discutía de poesía con Voltaire y excedía en las salsas dulces. Tenía el punto del puerro y fue el primero que añadió chocolate a una salsa para la perdiz. Uno creía que eso lo habían inventado en un convento, en las Castillas o en Extremadura, en Guadalupe por ejemplo, donde fueron las gulas jerónimas, pero no, fue en Prusia. Noel, con autorización de Federico, puso una pluma de faisán en el gorro, en el que abrochó un escudo de plata con las armas de Prusia. Y volviendo a su ciencia al punto del puerro incorporado con leche y claras de huevo parece que es verdaderamente difícil, y la salsa va muy bien con las pechugas de los pavipollos mechados con puntas de espárragos. Es un plato de verano para los archiduques de Austria. (…)

Cunqueiro, Álvaro (1981) . La cocina cristiana de Occidente, Barcelona : Los 5 sentidos, 153-155

Antonio López: cotidianidad y cercanía

"Una obra de arte nunca se acaba sino que llega al límite de las propias posibilidades”

Con estas palabras Antonio López resume su particular modo de acercamiento al objeto a pintar. Sus cuadros se desarrollan a lo largo de varios años, décadas en ocasiones, con una plasmación lenta, meditada, destilando con cada pincelada la esencia del objeto o paisaje, hasta que el artista consigue plasmar la esencia del mismo en el lienzo. El pintor busca entre la realidad que le rodea aquellos aspectos cotidianos, que él recoge con un tratamiento pleno de detallismo, rozando lo fotográfico. Sus preferencias van desde las vistas de Madrid hasta los retratos de sus familiares, pasando por los objetos más cotidianos y cercanos.

Membrillero

La cena

Antonio López García (Tomelloso, Ciudad Real, 1936) es seguramente el pintor y escultor más importante que haya dado el Realismo español de los últimos cien años. Sobrino y discípulo de Antonio López Torres, Antoñito López supo muy pronto que los sentimientos son “la materia básica del proceso creativo y el vehículo para establecer la comunicación con los demás”. Tal vez por ello logró con apenas 13 años ser admitido como alumno en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid.

Estamos ante un artista que retrata la vida cotidiana y los rostros y paisajes que le rodean con una fidelidad y profundidad sólo comparables con su extraordinario lirismo. Considerado uno de los máximos exponentes del Hiperrealismo del siglo XX, Antonio López siempre ha creído que la fuente máxima de creatividad es la libertad y que incluso en las civilizaciones atrapadas por costumbres y religiones asfixiantes es posible alguna clase de libertad expresiva.

El paisaje es el género que más se repite en las diferentes etapas de su carrera y casi siempre es fruto de su fascinación por el entorno urbano. El maestro manchego mira la ciudad en momentos que los demás emplean para el descanso y la estudia durante largos periodos antes de ponerse a pintarla. Luego retoca, rehace y corrige obsesivamente, llegando a recuperar piezas que ya estaban en manos de sus clientes para dar otra vuelta de tuerca al proceso creativo.

Aparador

Los otros dos grandes géneros del maestro manchego son la naturaleza muerta y el retrato. Antonio López dota de una importancia sublime a cada objeto que representa en sus bodegones y los rodea de una atmósfera poética sin igual mediante la utilización de una gama de colores siempre tenues y delicados. Para la figura humana elige casi siempre la escultura, técnica que le permite profundizar en la proverbial preocupación que siente por la forma de las cosas, su volumen y la materia de la que están hechas.

Antonio López recibió el Premio Príncipe de Asturias de las Artes en 1985 y tiene también el Premio Velázquez de Artes Plásticas desde 2006. Siendo uno de los escasos artistas de su generación que no optó por la Abstracción, no deja de interesarse por las nuevas tendencias en el Arte porque nunca tuvo la sensación de que la novedad tenga que suponer un peligro para las cosas importantes, sino todo lo contrario. Él dice que “el lenguaje de la pintura ha ido haciéndose más complejo porque el mundo también se ha vuelto así”.

Del 28 de junio al 25 de septiembre de 2011 se puede visitar en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid una exposición retrospectiva del pintor. Sobre la misma dice el pintor: "Es una exposición de cuerpo entero, sin trampa ni cartón, aquí está toda mi vida, lo peor y lo mejor".

Páginas web consultadas: wiquipedia y www.arteseleccion.com

Más información sobre el pintor: www.museothyssen.org

Frida Kahlo i Diego Rivera: fruites i mercats

Llibre de receptes de la filla de Diego Rivera

Frida Kahlo (wikipedia)

Museu Diego Rivera

Luc Tuymans: pintor de lo cotidiano

Nacido en Antwerp, Bélgica, en 1958.

Luc Tuymans está considerado como uno de los pintores más influyentes del panorama artístico actual. Es una de las figuras claves de una nueva generación de pintores figurativos que han continuado pintando durante un tiempo en el que muchos creyeron que este medio había perdido su relevancia tradicional. En el contexto de la nueva era de la información, muchos artistas creyeron que la pintura era una forma de expresión demasiado conservadora, que no casaba con la naturaleza heterogénea de la experiencia artística contemporánea. La obra de Tuymans muestra lo erróneo de esta idea.

The perfect table setting (2005)

La obra de Tuymans constituye un enorme depósito de datos, tomados de la fotografía, la televisión y el cine, combinando un gran rango de diferentes estilos y temas. Su temática abarca desde grandes eventos históricos, tales como el Holocausto o la política del Congo Belga, hasta temas tan banales como decoración de Navidad, objetos cotidianos, etc. También encontramos pinturas donde expresa estados emocionales abstractos, titulados "Amargura" o "Insomnio", que implican vínculos existenciales o filosóficos con la condición humana.

El gran abanico de imaginería utilizada por Tuymans se resiste deliberadamente a la categorización. Las ideas no se expresan explícitamente, sino que las encontramos implícitas en alusiones indirectas, creando un collage ambiguo de detalles y fragmentos inconexos. Nos hace pensar que Tuyman cree que la representación solamente puede ser parcial y subjetiva, a través de fragmentos aislados, y el significado, por lo tanto, debe ser compuesto como si de un puzle se tratara.

Web consultada: www.picassomio.com

Sandy Skoglund: fotografía y alimentos

¿Patatas fritas? ¿Carne picada? ¿Golosinas? ¿Bacon? ¿Galletas?

Sandy Skoglund utiliza elementos cotidianos y próximos a su alimentación en su fotografía para, a través del arte, transmitir emociones, promover la reflexión y no dejarnos indiferentes.

Peas on a plate (1978)

Cubed carrots and kernels of corn (1978)

Sandy Skoglund (n. 11 de septiembre de 1946) es una fotógrafa y artista plástica estadounidense que desde muy joven se interesó por el arte. Estudió arte en la Sorbona de París y más tarde cine y multimedia en Iowa hasta que se trasladó a Nueva York.

Utiliza patatas fritas como elemento fotográfico

The cocktail party (1992-1995)

Utiliza aperitivos de queso como elemento fotográfico

Body Limits (1992-1995)

Utiliza el bacon como elemento fotográfico

Entre 1973 y 1976 fue profesora de arte en la Universidad de Hartford y despúes profesora de fotografía en la Universidad Rutgers de Nueva Jersey.

Raining Pop Corn (2001)

Utiliza palomitas de maíz como elemento fotográfico

Sus fotografías reflejan con frecuencia la instalación de escenarios diseñados por la artista que transmiten un conjunto de ideas con planteamientos que se pueden situar entre el arte conceptual y el surrealmismo. En 1981realizó su trabajo Revenge of the Goldfish en el que llenó el escenario de la fotografía de peces de plástico y en otras instalaciones empleó focas o perros. Otras obras son: Radioactive Cats en 1980, Sock Situation en 1986, The Cocktail Party en 1992, Shimmering Madness en 1998 y Raining Pop Corn en 2001.

Su obra se encuentra en diversas colecciones y museos entre los que se incluyen el Museo de fotografía contemporánea de Chicago, el Museo de Arte Moderno de San Francisco y el Dayton Art Institute.

Serie Foxy Games (1989)



At the shore (1992-1995)

Cookies on a plate (1978)

Información sobre la artista y su trabajo fotográfico: http://www.sandyskoglund.com
Información biográfica: wikipedia

Descobrir el Mediterrani

Arístides Maillol: Mediterrània (1861-1944)

Joaquim Sunyer: Mediterráneo (c. 1910-1911)

Als europeus del nord sempre els ha agradat descobrir el Mediterrani. Al segle XVIII, l’anomenat grand tour tenia com a objecte el viatge a Itàlia, per seguir-hi les traces dels antics romans, o a Grècia, per tocar de prop els llocs sagrats de la Ilíada o l’Odissea. I amb aquestes traces i aquests llocs descobrien la blanesa del sud, el sol i la vida senzilla de la gent que vivia vora el mar clàssic. És clar que això només estava a l’abast de nobles o estudiosos alemanys, com ara Goethe o Winckelmann, o de lords o poetes tísics anglesos, com ara Lord Byron o John Keats. Els museus anglesos i alemanys són plens de pedres gregues i romanes perquè nobles i estudiosos les van descobrir, les van comprar i se les van endur a casa perquè, exposades, poguessin servir de model als artistes. Així va néixer el neoclassicisme. […] Catalunya també va descobrir el Mediterrani. Ara fa cent anys. Els nostres avantpassats van creure que aquest país era com la Grècia antiga, i van començar a aparèixer columnes a l’arquitectura i templets als jardins.

Els escultors feien deesses de marbre blanc i els pintors pintaven noies plenetes amb o sense túniques, vora el mar o sota uns pins, amb un atzavara no gaire lluny, perquè ignoraven que l’atzavara era una planta immigrant al paradís mediterrani. Van ser els nostres avis i besavis noucentistes. Avis i besavis que, quan era l’hora de menjar bé, giraven els ulls cap al nord, als paradisos de la mantega i les indigestes salses vinoses reduïdes. Finalment, fa pocs anys, el món ha descobert el Mediterrani de l’alimentació. S’ha inventat aquesta cosa absurda anomenada dieta mediterrània, com si això volgués dir alguna cosa. En tot cas, s’hauria de parlar de les cuines mediterrànies, perquè són ben diferents les cuines del nord de l’Àfrica de les del Pròxim Orient i de la grega, de la turca, de les italianes, de la provençal, de la catalana, de la valenciana o de l’andalusa. Les uneix a totes l’oli d’oliva, però en separa a moltes el greix de porc. Deixem de parlar, sisplau, de dieta mediterrània i parlem de les cuines de les terres que envolten aquest mar cada dia més brut.

Narcís Comadira. Diari Ara (diumenge, 13 de març del 2011)

Comadira, pintor.

Sobre Joaquim Sunyer

L'art del menjar. De la natura morta a Ferran Adrià (La Pedrera, Barcelona: del 24 de març al 26 de juny de 2011)

Antonio López (1971-1980): La cena

Existeix un debat obert entre diversos sectors de la societat en el qual es discuteix si la cuina hauria de ser reconeguda com un art més enllà de la representació visual dels seus elements. Des que l'any 2007 Ferran Adrià va rebre la invitació de Roger Buergel per participar a la Documenta 12, la flama es va atiar. (...) L'exposició mostra, a través d'un recorregut històric, la gran atracció que sempre ha suscitat el tema dels aliments, com si fos una interfície fonamental entre l'art i la vida, i la seva enorme rellevància fins a l'actualitat, i alhora permet copsar l'evolució dels diferents llenguatges artístics.

                    
Cristina Giménez ( 2011): L'art del menjar. De la natura morta a Ferran Adrià.(catàleg de l'exposició), Barcelona: Catalunya Caixa, p. 12. 

L'art del menjar. (Enllaç a la web de l'exposició)

Jana Sterbak (1996): Chair Apollinaire

Fotografía: David LaChapelle

Cherries in syrup. David LaChapelle. 1994

El arte bebe, emana, observa y plasma con los cinco sentidos realidades cotidianas. David LaChapelle nos acerca, con una visión muy particular y crítica, este mundo que nos rodea.

David LaChapelle nació en Fairfield, Connecticut, el 11 de marzo de 1969. Su primer acercamiento a la fotografía fue cuando tenía 6 años de edad, durante unas vacaciones familiares en Puerto Rico. Allí utilizó la cámara para retratar a su madre y empezó a observar y fotografiar todo lo que tenía a su alrededor. A los quince años se trasladó a Nueva York y empezó a trabajar en la famosa discoteca Studio 54. Allí conoció a numerosas celebridades y artistas. Empezó a estudiar arte en una pequeña escuela de Carolina del Norte. Obtuvo su primer trabajo profesional en la revista Interview por invitación de Andy Warhol.

Death by hamburger. David LaChapelle. 2001

Este famoso fotógrafo estadounidense hace de sus creaciones artísticas un canal de transmisión que excita las emociones. En sus obras de arte podemos rememorar lo que nos constituye como humanos; seres viscerales, pasionales, excepcionales, porque el arte, recordando a Borges, “debe ser ese espejo que nos revela nuestra propia cara”.

Crustacean Invasion. David LaChapelle. 2001

El fotográfo ha trabajado con artistas de la talla de Madonna, Elton John, Avril Lavigne, Moby o The Dandy Warhols, ha retratado el mundo de la moda, realizado retratos de todo tipo de artistas, siempre desde una óptica rupturista y polémica.

Candy Mosque. Auguries of Innocence. David LaChapelle. 2008

Las imágenes de LaChapelle, audaces y espléndidas, han forjado un estilo particular que resulta único, original e inconfundible. Es uno de los fotógrafos contemporáneos más influyentes que emerge del ámbito del espectáculo. Con su estilo muy personal, las imágenes de este artista exploran terrenos extremos, desquiciantes, eróticos, en muchas ocasiones barroquizantes, a veces sublimes y otras de extraños niveles de ostentación visual. Asumir el riesgo de decir verdades que incomodan valiéndose de imágenes es muy común entre los artistas, sin embargo, aunque sus medios de expresión sean calificados como irreverentes, siempre son invitaciones a reconsiderar, revisar o replantear el modo en que la sociedad actual enfrenta las contradicciones, injusticias, abusos y excesos que la debilita.

Fuentes consultadas: wikipedia

Para conocer el trabajo del fotógrafo: www.davidlachapelle.com y www.lachapellestudio.com

Els mercats de Palermo

"He aprendido que la literatura es una isla..."
Per seguir llegint:

Gabriel Janer Manila: Impresiones desde Sicillia (2008)

Renato Guttuso : La Vucciria (1976)

"La expresión más auténtica de un pueblo está en sus danzas y en su música. Los cuerpos nunca mienten".

Agnes de Mille, bailarina.

Tarantella Siciliana de Sciacca: música i ball frenètic, alegre i dinàmic, essència siciliana en estat pur.

Més sobre Sicilia:

"¿Cual era, en Sicilia, la proporción de las cosas que sucedían por confusión respecto de aquellas que, en cambio, acaecían sin confusión de identidades o cosas? Para no salir de Vigàta, y limitándose a los últimos tres meses, Artemidoro Lisca había sido asesinado al ser confundido con Nirino Contrera en una noche sin luna; (...) Pino Sciacchitano había muerto porque su mujer había confundido el veneno para las ratas con el reconstituyente que su marido tomaba después de cada comida. Existía también la duda de que todo este confunde que confunde no fuera un falso confunde que confunde, que no había habido ningún error, que la confusión había sido solamente una coartada, incluso un hábito. Entonces ¿de qué podía reírse por una confusión más falsa que las falsas, gente que, por el contrario, vivía en una confusión cotidiana?"

Camillieri, Andrea: La ópera de Vigàta. Destino, Barcelona, 2008, pp.111-112.

Max Aub visita Espanya, des de l'exili, el 1969: escriu La gallina ciega. Cadaqués

Salvador Dalí (1921): Cadaqués de espaldas. 

Max Aub (1971): La gallina ciega.

Podrán no construir - construyen, a la vista está -, desaparecer regímenes - no desaparece -, pero España desde que hay vacaciones pagadas tiene agarrada a Europa por el estómago y no la soltará ni ésta querrá librarse. Único país (tal vez con Bélgica) donde todavía - de nuevo - se come como hace más de medio siglo platos hechos de verdad, no para paladearse sino para eructar; sólo en el sur de Francia, pero allí en cantidades menores y por mucho más dinero. Comprendo el imán que tiene para los alemanes el sol, el vino - regular y regalado-, el aceite al que se acostumbran quieran o no. Lo mismo les da aceite o trabajadores, langostas o criadas. No acabará mientras no varíen otras cosas, que no llevan ese camino. Todos contentos. Saliendo de Figueras la carretera se estrecha, sube. Serpentea. Todo es piedra. Mueren los árboles. Allá  a lo lejos, abajo, enorme, azul, tranquila, suave, destrozada en sus bordes: la bahía de Rosas y el pueblo, que fue pequeño y casi nada, rodeado de rascacielos. Se traspone. Cadaqués.Cadaqués lleno de gente.

(...) Sopa de peix de nuestra primera noche española, en casa de Carmen y de Luis. ¡Qué lejos de cualquier otra sopa de pescado! Tal vez ahí también, ¡Oh Gabo y compañía! tenga su lugar e influencia la lingüística...Desde luego nada tiene que ver aquí la amistad. Sabe de otra manera. Tal vez las rocas de la Punta Oliguera o de la Punta Prima o de la Cendrera aticen la gula,den sabor y gusto nuevo, alargándolo. Copia de sazones.

Més sobre Max Aub:

Max Aub a la wikipedia

Fundació Max Aub

Max Aub sobre Buñuel , motiu de la seva visita a Espanya

Picaso quan va visitar Cadaqués, l'estiu de 1910